Ornamente: Vibrato, Gleiten und Notenformung auf der Okarina

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Ornamente sind Verzierungen, die Sie Ihrer Musik hinzufügen können, um Interesse zu wecken und Noten hervorzuheben. Sie wirken wie Gewürze, die der Musik einen akustischen ›Geschmack‹ verleihen.

Okarinas können für zahlreiche Arten von Verzierungen verwendet werden. Wie üblich werden die Techniken unter der Annahme einer Okarina in C erklärt, aber sie funktionieren auf Okarinas in jeder Tonartstimmung.

Vibrato

Eines der einfachsten Ornamente ist das Vibrato. Es entsteht durch eine einfache Schwankung der Tonhöhe und wird häufig zur Verzierung langer Noten verwendet.

Vibrato entsteht durch eine leichte Schwankung des Blasdrucks. Beginnen wir mit einem Besuch der Seite Wie Sie mit unterschiedlichem Blasdurck ausatmen:

Legen Sie eine Hand auf Ihren Bauch und die andere auf Ihre Rippen. Nehmen Sie einige Atemzüge und spüren Sie, wie sich Ihr Bauch nach innen und außen bewegt, während Ihre Schultern ruhig bleiben.
Als Nächstes atmen Sie aus dem Zwerchfell tief ein und bilden Sie eine Öffnung zwischen Ihren Lippen, als würden Sie Buh sagen. Atmen Sie dann so schnell wie möglich aus. Wenn Sie auf Ihren Brustkorb achten, fühlt es sich ähnlich an, als würden Sie Ha sagen.
Atmen Sie noch einmal wie zuvor ein, aber dieses Mal summen Sie oder legen Sie Ihre Zunge hinter Ihre Zähne und machen ein Tss-Geräusch. Sie werden wahrscheinlich feststellen, dass Sie nun viel langsamer ausatmen.

Lassen Sie uns diese Übung anwenden, um Vibrato zu erzeugen.

Bilden Sie zuerst wie zuvor eine Öffnung mit Ihren Lippen und beginnen Sie, mit geringem Atemdruck zu blasen. Erhöhen Sie den Druck langsam, bis sie so stark wie möglich blasen, und verringern Sie ihn langsam wieder.
Blasen Sie mit konstantem Atemdruck und erhöhen und senken Sie ihn langsam ein wenig.
Jetzt nehmen Sie Ihre Okarina und wiederholen Sie die Übung, während Sie eine beliebige Note greifen. Sie werden feststellen, dass Sie ein langsames Vibrato spielen.

Mit regelmäßiger Übung wird der Vorgang automatisch, sodass Sie ihn mühelos beschleunigen können.

Verfeinern Sie Ihr Vibrato

Gutes Vibrato sollte sowohl im Rhythmus (der Zeit zwischen den Pulsen) als auch in der Schwankung der Tonhöhen einheitlich sein. Sie können es einfach entwickeln, indem Sie mit einem Metronom üben:

Stellen Sie ein Metronom auf ein Tempo von 40 bis 60 BPM ein.
Wählen Sie eine Note in der Mitte des Tonumfangs und beginnen Sie, einen langen Ton zu spielen.
Variieren Sie Ihren Atemdruck, um Vibrato zu erzeugen, und richten Sie den Höhepunkt oder die Senke der Schwingung an den Klicks aus.

Die Änderung der Tonhöhe sollte nicht übermäßig sein; eine Schwankung von 10 bis 20 Cent auf einem Stimmgerät ist ein guter Ausgangspunkt. Versuchen Sie, Ihr Vibrato so zu halten, dass die Tonhöhe um denselben Betrag über und unter der gegriffenen Note schwingt.

Sobald Sie einen Puls pro Klick spielen können, versuchen Sie, das Tempo schrittweise zu erhöhen. Wenn das Tempo zunimmt, möchten Sie vielleicht die Tiefe Ihres Vibratos reduzieren.

Sie können das Vibrato auch als Triole üben (drei Wellen pro Klick) und das Tempo schrittweise erhöhen. Diese Technik habe ich von einer Lehrperson für die Flöte gelernt. Sie ist hilfreich, um Ihr Vibrato natürlicher klingen zu lassen.

Als weitere Möglichkeit, ein konsistentes Vibrato zu entwickeln, können Sie mit der Aufzeichnung eines ebenmäßigen Vibratos üben. Achten Sie darauf, was Sie tun und was Sie hören, und zielen Sie darauf ab, die Unterschiede zu beseitigen.

Es ist ziemlich einfach, eine solche Referenz mit einem modularen Synthesizer zu erstellen, den Sie kostenlos als Web-App finden. NoiseCraft ist zum Beispiel einer davon. Die Grundidee besteht darin, einen Oszillator in der gewünschten Tonhöhe zu verwenden und seine Frequenz durch einen anderen Oszillator mit niedrigerer Frequenz zu modulieren.

Das Vibrato anwenden

Wie bereits erwähnt, wird Vibrato meist zur Verzierung langer Noten verwendet. Suchen Sie in der Musik, die Sie spielen, nach langsamen Liedern mit langen Noten und probieren Sie, Vibrato einzubauen.

Dabei stellen Sie vielleicht fest, dass ein ebenmäßiges Vibrato auf den hohen Tönen eine deutlich größere Änderung des Atemdrucks erfordert als auf den tiefen Tönen.

Es lohnt sich, einige Zeit damit zu verbringen, Vibrato im gesamten Bereich des Instruments zu üben, um die Änderung der Tonhöhe konstant zu halten.

Weitere Aspekte, die Sie beachten sollten

Vibrato kann auf verschiedene Weise variiert werden, um unterschiedliche musikalische Effekte zu erzielen. Dafür können sowohl die Tonhöhe als auch die Geschwindigkeit der Tonhöhenänderung variiert werden.

Sobald sich das Spielen von Vibrato für Sie natürlich anfühlt, möchten Sie vielleicht mit diesen Möglichkeiten experimentieren, um ihre musikalische Wirkung zu erforschen. Es ist sogar möglich, die beiden Eigenschaften entlang der Dauer einer Note zu variieren:

Sie könnten langsam beginnen und beschleunigen oder flach beginnen und das Ausmaß erhöhen.
Oder umgekehrt, schnell oder tief beginnend und sich allmählich verjüngend.
Oder das Vibrato kann über die Dauer variieren, also langsam starten, beschleunigen und wieder verlangsamen.

Diese Techniken sind ziemlich gebräuchlich beim Spielen der Querflöte und ähnlicher Instrumente, deshalb ist das Studium von Aufführungen mit diesen Instrumenten eine gute Idee.

Gleiten (Glissandi)

Mit Gleiten oder Glissando wird ein sanfter Wechsel zwischen zwei Noten bezeichnet, der im Gegensatz zum normalen, plötzlichen, stufenförmigen Übergang steht.

Es ist eine effektive Möglichkeit, Akzente zu setzen, wenn sie zum Musikstil passen. Ein Gleiten sollte jedoch immer zu oder von einer bestimmten Note verlaufen – es sei denn, Sie wollen absichtlich etwas anderes erreichen. Es ist keine Entschuldigung für nachlässige Intonation.

Auf der Okarina sind zwei verschiedene Arten von Gleiten möglich: Fingergleiten und Atemgleiten. Das Fingergleiten ist vielseitiger. Das Atemgleiten wird im weiteren Verlauf des Artikels behandelt.

Fingergleiten

Die einfachste Art des Fingergleitens findet zwischen zwei benachbarten Noten statt. Sie spielen diese Noten in einem Atemzug und bewegen sich zwischen ihnen, indem Sie einen Finger auf ein Loch schieben. Hier ist ein Beispiel:

Greifen Sie ein D.
Schieben Sie den Finger für das E nach hinten aus dem Loch.
Erhöhen Sie gleichzeitig leicht Ihren Atemdruck, um die Tonhöhe zu korrigieren.

So haben Sie ein aufsteigendes Gleiten von D nach E gespielt.

In Partituren wird Gleiten üblicherweise mit einer geraden Linie zwischen den Köpfen zweiter Noten notiert:

Es gibt jedoch zahlreiche Möglichkeiten, es zu spielen, je nach rhythmischem Timing und Länge des Gleitens in Bezug auf die beiden Noten, zwischen denen es stattfindet. Ein Gleiten zwischen zwei Viertelnoten könnte zum Beispiel:

Während der ersten Note beginnen und rechtzeitig zum Beginn der zweiten enden (links).
Am Anfang der zweiten Note beginnen und während ihrer Dauer enden (Mitte).
Während der ersten Note beginnen und während der zweiten enden (rechts).

Diese Möglichkeiten werden im Folgenden mit grafischer Notation dargestellt. Die dunkel gefärbten gestrichelten Linien sind einen Taktschlag voneinander entfernt, und die rote Linie zeigt die Tonhöhe im Laufe der Zeit an.

Um sie zu üben, könnte es hilfreich sein, die Unterteilungen wie oben gezeigt mit einem Metronom zu verfolgen. Um zum Beispiel die erste Unterteilung zu spielen:

Stellen Sie ein Metronom an und behandeln Sie jeden Klick als eine Achtel-Unterteilung.
Spielen Sie beim ersten Klick einen stabilen Ton auf dem G.
Spielen Sie mit dem zweiten Klick ein aufsteigendes Gleiten von G nach A.
Spielen Sie für den dritten und den vierten Klick das A in stabiler Tonhöhe.

Eine andere Möglichkeit wäre, Audio-Referenzen zu finden oder einen erfahrenen Spieler um die Demonstration der Übungen zu bitten und das Timing nachzuahmen.

Sobald Sie das Gleiten isoliert spielen können, versuchen Sie, es in einer einfachen Melodie zu verwenden, sowohl aufsteigend als auch absteigend. Ein absteigendes Gleiten zu spielen, ist dasselbe, aber umgekehrt. Legen Sie den Finger vor das Loch und schieben Sie ihn dann nach vorne.

Gleitgriffe über ein weites Intervall

Einem Gleiten über ein breiteres Intervall können Sie sich über zwei Möglichkeiten nähern:

Entweder Sie lassen das Gleiten das gesamte Intervall zwischen den Noten überspannen.
Oder Sie springen zur Note über oder unter der gewünschten Note und gleiten von dort.

Für die zweite Variante können Sie wie zuvor besprochen vorgehen. Um über das gesamte Intervall zu gleiten, gibt es verschiedene Techniken:

Schieben Sie mehrere Finger auf einmal über die Löcher und üben Sie langsam, um sie richtig zu koordinieren.
Senken Sie Ihre Handgelenke und schwenken Sie die Finger von den Löchern weg.

Das Gleiten über ein weites Intervall erzeugt jedoch in der Regel einen extremen Effekt und wird daher nicht so häufig verwendet. Ein Beispiel findet sich im einleitenden Gleiten der Klarinette in Rhapsody in Blue.

Gleiten zwischen Noten mit linearen und Kreuzgriffen

Es ist nicht viel schwieriger, von linearen Griffen zu Kreuzgriffen oder nur zwischen Kreuzgriffen zu gleiten. Es geht nur darum, mehrere Finger auf einmal zu schieben und sie so zu timen, dass ein Finger von einem Loch und ein anderer auf ein Loch gleitet.

Ein sinnvoller Anfang ist, das Gleiten über eine Tonleiter zu spielen, zum Beispiel in F-Dur auf einer Okarina in C. Um zum Beispiel von A nach B zu gleiten, schieben Sie Ihren linken Mittelfinger vom Loch, während Sie gleichzeitig den rechten Ringfinger auf das Loch schieben.

Gleiten über ein größeres Intervall erfordert lediglich, dass mehrere Finger gleichzeitig auf und von ihren Löchern geschoben werden. Üben Sie wie gewohnt die Bewegungen der Finger zuerst langsam, um ein Gefühl dafür zu bekommen, und beschleunigen Sie sie dann.

Andere Variationen

Das Gleiten kann in seiner Dauer variieren, von sehr kurz bis hin zum Hauptanteil der betreffenden Note. Längere oder kürzere Gleitnoten können wie zuvor beschrieben geübt werden, jedoch mit mehr Unterteilungen, um die Genauigkeit zu erhöhen.

Als weitere Variante der Gleitnoten können Sie sich der Note aus der entgegengesetzten Richtung nähern. Wenn Sie etwa von einer Note zur anderen absteigen, können Sie von der nächsttieferen Note nach oben gleiten. Hier sind zwei Variationen in der grafischen Notation, mit schnellem und allmählichem Gleiten in die Note:

Das Fingergleiten üben und anwenden

Als beste Möglichkeit zum Üben der Gleitnoten kann ich empfehlen, zwei Varianten auszuwählen und sie über den gesamten Tonumfang Ihres Instruments zu üben. Versuchen Sie dann, diese Varianten in der Musik umzusetzen und zu sehen, welcher Klang Ihnen am besten gefällt.

Sobald es einfacher wird, experimentieren Sie mit den anderen Optionen.

Wie immer ist es auch für diese Techniken hilfreich, sich Referenzaufnahmen anzuhören. Es gibt viele Beispiele aus dem irischen Flöten- und Geigenspiel, der Flötenmusik indigener Völker Nordamerikas und der Slide-Gitarre.

Atemgleiten und Notenformung

Gleitnoten können auch durch Variation des Atemdrucks gespielt werden. Dabei werden sowohl die Tonhöhe als auch die Lautstärke verändert. Um damit zu experimentieren, greifen Sie einfach eine beliebige Note und gleiten Sie hinein oder heraus, indem Sie Ihren Blasdruck langsam erhöhen oder senken.

Das Atemgleiten hat eine andere Funktion als das Fingergleiten. Am einfachsten lässt sich dies anhand eines Beispiels demonstrieren. Um ein aufsteigendes Atemgleiten von einer Note zur nächsthöheren durchzuführen, müssten Sie:

Beginnen, indem Sie die tiefere Note in der Tonleiter greifen, in der Sie sich befinden.
Ihren Atemdruck erhöhen, bis die Tonhöhe mit der Zielnote übereinstimmt.
Dann plötzlich Ihren Griff auf den korrekten Griff für die Zielnote ändern und den Luftstrom unterbrechen.

Dieser Übergang würde ziemlich hart klingen, denn Sie gehen von einem übertrieben verrauschten Klang zu einem normalen Timbre über. Zudem besteht eine hohe Wahrscheinlichkeit, dass der zweite Ton zu hoch beginnt.

Persönlich finde ich Atemgleiten am hilfreichsten, um Musikabschnitte zu beginnen oder zu beenden und Noten zu formen.

Es ist eine effektive Möglichkeit, Noten zu starten, denn das kombinierte Lautstärke- und Tonhöhengleiten ermöglicht ein Einblenden. Deshalb funktioniert es besonders gut bei langsamer Musik.

Der Atemdruck kann auch verwendet werden, um Noten auf andere Weise zu formen und die Tonhöhe einer Note über deren Dauer zu verändern. Ein einfaches Beispiel ist die Nachahmung des häufig von Gitarristen verwendeten Bendings (Saitenziehen), bei dem eine Note höher oder tiefer wird, bevor sie zu ihrer ursprünglichen Tonhöhe zurückkehrt.

Rhythmisches Atempulsieren kann verwendet werden, um den Takt zu markieren. Die Technik und der Ansatz, dies zu üben, sind ähnlich wie beim Vibrato, nur absichtlich unregelmäßig.

Wie genau diese Techniken verwendet werden, variiert jedoch je nach Genre. Deshalb ist es am besten, Musik in dem Stil zu hören und zu replizieren, den Sie spielen möchten.

Ich würde jedoch davon abraten, ein Atemgleiten als endgültige Ausblendung zu verwenden, da es in den meisten Musikrichtungen laienhaft klingt.

Echte Ausblendungen sind auf der Okarina möglich und werden im Folgenden behandelt.

›Echte‹ Ausblendungen und Volumendynamik auf der Okarina

Es ist möglich, ›echte‹ Ausblendungen auf der Okarina zu spielen, indem Atemdruck und Griff gleichzeitig variiert werden. Gehen Sie wie folgt vor, um damit zu beginnen:

Greifen Sie ein G (unter der Annahme einer Okarina in C) und blasen Sie die Note mit dem richtigen Druck.
Senken Sie langsam Ihren Blasdruck und rollen Sie gleichzeitig den Finger für das hohe C zurück, um das Loch teilweise zu öffnen.
Wenn die beiden Aktionen perfekt synchronisiert sind, heben sie sich gegenseitig auf, wodurch die Lautstärke sinkt, die Tonhöhe jedoch konstant bleibt.

Ich würde empfehlen, die Lautstärke der Note für den Anfang schrittweise ein wenig zu reduzieren:

Senken Sie den Atemdruck leicht ab.
Passen Sie den Griff an, um den geringeren Druck auszugleichen.
Kehren Sie zum ›normalen‹ Griff zurück und versuchen Sie, beide Aktionen gleichzeitig zu reproduzieren. Dadurch sinkt die Lautstärke leicht, ohne die Tonhöhe zu beeinträchtigen.
Wenn Sie diese Technik im Muskelgedächtnis haben, gehen Sie einen Schritt weiter und verwenden Sie einen etwas niedrigeren Druck sowie eine größere Öffnung des Lochs.

Auf diese Weise lernen Sie, den Finger automatisch an die Änderung des Atemdrucks anzupassen, sodass Sie den Druck reibungslos variieren können. Diese Technik muss schrittweise über einen längeren Zeitraum geübt werden.

Wie in der Diskussion über Vibrato angemerkt, reagieren Okarinas auf den tiefen Noten viel empfindlicher auf Druckänderungen als auf den hohen Noten. Die besprochene Technik ist auf den höheren Noten einfacher zu erlernen, weshalb ich empfehlen würde, sie dort zuerst zu üben.

Wenn Sie sie bei anderen Noten versuchen, würde ich empfehlen, das kleinste verfügbare Loch zu öffnen, da es sich leichter kontrollieren lässt.

Schlussnotizen

Die Vielfalt der Ornamente und deren Variationen kann sich überwältigend anfühlen. Deshalb würde ich empfehlen, für den Anfang ein oder zwei Ornamente zu wählen und sie mit einer einzigen Technik zu spielen, bis Sie damit vertraut sind.

Unter Angewandte Artikulationen und Verzierungen auf der Okarina finden Sie einige Beispiele für die Anwendung in der Musik. Ich würde Ihnen auch empfehlen, nach Aufnahmen für die jeweiligen Musikstile zu suchen, die Sie spielen möchten.

Wenn Sie noch mehr Ornamente zum Experimentieren wünschen, gibt es zwei weitere Optionen: das Pulsieren einer Note mit einer Zungenrolle, ähnlich wie ein gerolltes R in einigen Sprachen, und Multifonie, die durch Singen oder Summen erzeugt wird.